La Nueva Sede de La Galería de Arte Nacional

Un país donde el Ministerio de la Cultura está a cargo de un veterinario -Héctor Soto- y el Ministerio de Ciencia y Tecnología en manos de un militar pendenciero -Jesse Cachón-, un país donde se eliminan libros de los catálogos de la Red de Bibliotecas Nacionales por razones ideológicas y donde nuestro Ateneo de Caracas tiene sus días contados -¡cómo voy a extrañar las rumbas, los festivales de teatro y de cine, las tertulias, las ferias y los artesanos de nuestro ateneo!-, es difícil o, mejor dicho, casi imposible, encontrar un resquicio de verdadera cultura o modernidad en pie. Aunque, por ahora, tenemos un último reducto.

Aprovechando un veloz viaje a la Capital del Imperio Bolivariano, debido a la mermísima boda de mi querida Sofía, me fui a conocer la nueva sede de la Galería de Arte Nacional. Tengo que confesar que tenía las expectativas bajísimas después de haber escuchado el día de su inauguración en cadena nacional a Hugo Boss decir: “Conmino a los artistas plásticos a plasmar todo el proceso que se vive actualmente”; ¡no es pa’ menos coño! Pero la realidad contradijo mis temores.

La nueva sede de la GAN es, en pocas palabras, ¡arrechísima! Ojo, no está listo todo el complejo, pero lo que está culminado es arrechísimo.

Diseñada en el gobierno de Carlos Andrés Pérez por el arquitecto Carlos Gómez de Llarena, comenzada en el gobierno de Rafael Caldera -quien no la terminó porque el petróleo estaba a $8 por barril- y que le tomó a la revolución de Mr. Boss “solamente” 10 años para culminarla -con el petróleo a ciento y dele-; la nueva sede de la GAN es la edificación museística de mayor envergadura que se haya concebido en nuestro país.

Ubicada entre la Avenida Bolívar y la Avenida México, con un área expositiva de 2 pisos -con techos muy altos y con mucha luz tropical- de aproximadamente 2.500 metros cuadrados cada uno; la obra de Gómez de Llarera es un edificio realmente amigable y agradable para las artes plásticas.

La exposición inaugural denominada: Arte Venezolano de Todos Los Tiempos es realmente espectacular. Yo nunca había visto tantas obras de artistas venezolanos de tal calidad y en un mismo sitio. Dicha exposición se pasea por todas las tendencias estéticas que han existido en nuestro país y consta de 9 periodos: Pueblos Originarios, Arte Colonial, Academicismo, Inicio de la Modernidad, Surgimiento de las Vanguardias, Armando Reverón -más de 25 piezas del Gran Maestro-, Abstracción Geométrica y Cinetismo, Movimientos Contemporáneos y Tendencias Actuales.

Se pueden disfrutar las creaciones artísticas de Cristóbal Rojas, Arturo Michelena, Rafael Monasterios, Manuel Cabré, Francisco Narváez, Héctor Poleo, José Lorenzo de Alvarado, Armando Reverón, Jesús Soto, Roberto Obregón, Gego, Asdrúbal Colmenares, Osvaldo Vigas, José María Cruxent, Alejandro Otero, Luis Guevara Moreno, entre muchos otros.

No les recomiendo que vayan, LES RUEGO que lo hagan, ya que Hugo Boss dijo que “este museo debe abrirse para los artistas y para el pueblo revolucionario, con la GAN se busca sentar las bases para la discusión de un nuevo paradigma museístico, que sea capaz de superar la visión elitesca y particularizada de la tradición euro centrista y neoliberal que se había consolidado en el arte”; así que esta maravilla de exposición tiene sus días contados.

Ciro

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Legado del Pintor venezolano Tulio Díaz en Washington DC

De Cualquier Vaina,-siempre apoyando el arte-, informa que desde este pasado Lunes 13 de Abril al Viernes 24 de Abril de 2009 se estará presentando en el Banco Interamericano de Desarrollo, -1300 New York Ave. Washington DC. 20577 -, una exposición de la obra del artista plástico Tulio Díaz.

Tulio era una persona que vivía consecuentemente con el Arte. No había medias tintas entre ellos y dedicó su vida a éste.

A mi manera de ver las cosas, se fué muy temprano de este mundo (Enero de 2009) y mi opinión es que lo hizo en un momento en que desarrollaba sus mejores obras. Todavía tenía mucho para dar.

Esta exhibición,- más que una exhibición -, es un homenaje a su legado artístico, que incluye obras de la colección permanente del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

Aquí les publicamos las invitaciones del Banco Interamericano de Desarrollo (con un escrito de Cesar Sasson) y del Venezuelan American Endowment for the Arts.

El Pollo

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The Inter-American Development Bank
Staff Association
Lo invita cordialmente a la Exposición Individual del Artista Venezolano
Tulio Díaz
Abril 13, 2009
6:00 pm
Atrium, 1300 New York Avenue, NW, Washington, D.C.

Tulio Díaz “Si lo pudiera decir en palabras no habría razón para pintar.” Edward Hopper

De naturaleza serena y amigable, Tulio se caracterizó por ser una persona de poco hablar, pero al mismo tiempo curioso e intuitivo. Con el pasar del tiempo comprendí que le era inmensamente más fácil expresarse en formas y colores que hacerlo con verbos y palabras, pero lo más importante es que ese alfabeto de formas y colores era inconfundiblemente suyo, característica singular para un artista de su edad y más aun si es de formación autodidacta. Y es que Tulio nació en Caracas pero se crío en el interior del país, lejos de la urbe y los grandes museos nacionales, por lo que sus primeros contactos con el arte fueron a través de las publicaciones a las que pudo haber tenido acceso, de manera instintiva aprendió a hacer uso con igual destreza de las diferentes técnicas, y con la misma facilidad manejaba el óleo, la encáustica, la acuarela y el dibujo, aunque particular mención merece su prodigiosa utilización del color, además de la naturalidad y facilidad que exhibía pintando monocromías de impecable sutileza y factura, u obras carácter expresionista de violentos contrastes cromáticos, que observadas en detalle, puede apreciarse en ellas, el sentido, el peso y la valoración específica de cada mancha de pigmento dentro de la composición total y sin cuya presencia en esa explosión de colores, pudiera hacer ver la obra de apariencia inacabada.

Su principal característica como pintor, fue la misma que lo caracterizó como persona, un ser intimista que encontró un discurso plástico pleno en su entorno, pintando su hábitat, en forma de espacios interiores vistos desde diferentes perspectivas y en un mismo plano, privilegiando siempre un objeto o figura a resaltar en cada composición, generando así variaciones sobre una misma pero siempre distinta mirada.

Tulio nunca se preocupó por la fama ni por sus consecuencias, pues nunca la buscó, prefirió mantenerse al margen de toda exhibición superficial y ser más bien fiel a su esencia como persona, sin embargo y a pesar de su naturaleza tímida, el Museo Metropolitano de Nueva York, adquirió un conjunto de seis de sus dibujos para incorporarlos a la colección permanente de tan prestigiosa institución, igualmente su obra se encuentra representada en la Colección Cisneros.

En el año 1991 participó en la Segunda Bienal de Artes Visuales Christian Dior al lado de un conjunto de connotados artistas, por invitación del crítico de arte Juan Carlos Palenzuela .

En el año 1997 expuso individualmente en el Museo Sacro de Caracas, ese mismo año participó en el Salón Municipal de Caracas, haciéndose acreedor de la Primera Mención al Premio Municipal de Pintura.

A pesar de su facilidad nata para la pintura y el dibujo, le preocupaba mucho el volumen y la forma, fue así como en 1996 se presentó un día a la galería con su primera escultura, una pieza de pié pintada por ambas caras, de gran atractivo no solo cromático sino por el humor que trasmitía la situación representada, era la silueta de un personaje sacado de una de sus pinturas, vestido de ejecutivo con un maletín en la mano huyéndole a un perro que le mordía el pantalón.

Al encontrarme por primera vez con una escultura de Tulio, recordé esta frase de Paul Cezanne : “Me tomó 40 años entender que la pintura no era escultura “.

Presumo que Tulio tuvo la misma dificultad para entenderlo, hasta que finalmente se encontró con su propia escultura. A partir de allí empezaron a fluir las formas, una tras otra, las hacia indistintamente, de pie o de pared, y todas ellas tenían como común denominador el pertenecer a la singular óptica de disfuncional perspectiva característica de su obra y que muy a pesar de la inmediata identificación de los objetos representados en forma de mesas, sillas, floreros, vasos o botellas, llevaban su personal alfabeto.

Su talento en esa disciplina fue inmediatamente reconocido ese mismo año, con su participación en el Salón Arturo Michelena en la sección de escultura con un muy reducido grupo escultores seleccionados para esa ocasión.

Quiero finalizar este breve texto con una frase del pintor y escultor Edgar Degas, “ A los veinticinco años todo el mundo es famoso, a los cincuenta nadie sabe “, estoy seguro que a pesar de su prematura partida, curiosamente justo a los cincuenta, siento que la fama y el reconocimiento sabrán dar respuesta a la anterior cita, esta vez en relación al también pintor y escultor Tulio Díaz,.

Cesar Sasson
Febrero 2009

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Armando Reverón en NY

Este fin de semana se acaba la exposición de Armando Reverón en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York.

Y discutiblemente ha sido la exposición de la obra de este pintor más importante en términos de impacto mundial. Primero por la gran cantidad de personas de distintas partes del mundo que la ven, gracias a la ubicación de este museo en esa ciudad crisol de razas y culturas. Segundo por la gran cantidad de obras que se mostraron (aunque para mi gusto, no se muestran suficientes obras del período azul).

Lo importante para mi de Reverón, es que este tipo fue único. He ido al Museo de Artes de Santiago de Chile, al louvre y al D'Orsay en París, al de Arte Contemporáneo de Caracas, al de Bellas Artes de Caracas, a la Galería de Artes Nacional en DC, al Museo de Arte Metropolitano y al MOMA de Nueva York y tengo libros de la Galería Nacional de Londres y el Museo del Prado de Madrid y nunca he visto obras como las de él.

Y eso lo dicen los teléfonos que "echan" los cuentos en el MOMA. Nunca habían mostrado un pintor como Reverón, ni con obras como las de él, ni tampoco con un pasado parecido al de él.

Michelena un excelente pintor venezolano, encargado de pintar las gestas heroicas de los héroes venezolanos, no fué único en su obra. Su técnica y aproximación plástica puede parecer a las pinturas de Jacques-Louis Davids como el "Juramento de los Horacios".

Reverón, por estar en el trópico, "auto-asilarse" y aislarse en la playa y ver, en vez de colores, la incandescencia de la luz del sol en el Ecuador pintó los mejores paisajes "blancos" que haya visto en mi vida. Cualquier persona trataría de plasmar los colores del Avila (montaña que separa a Caracas del Mar Caribe) y el mar de haber vivido en ese mismo sitio. Reverón, pintó esa luz cegadora y el resultado fue único. Pero así como me impresionaron sus paisajes blancos, me impresionó la manera como pintaba y captaba la atmósfera de una día de playa de esos de los que huímos cuando se nos nubla el día. Y en vez de pintarlos "grises" los pintó "marrones y ocres". El resultado: Unos paisajes cargados de electricidad. Ese intangible, lo he visto sólo en los paisajes de Camille Corot, pero con una técnica muy diferente.

Reverón estudió en la Academia de Bellas Artes en Venezuela y también en Francia y España donde tuvo la oportunidad de admirar a sus pintores preferidos Degas, Martín, Sisley, Cezanne, El Greco y Velazquez entre otros. El tipo tuvo escuela. Sus primeras obras muestran sus habilidades plásticas arraigadas en el impresionismo europeo. Pero es precisamente cuando se deshace de éste cuando se erige como el maestro que trae el modernismo plástico a Venezuela.

Esquizofrénico y atrapado en su mundo logró sus mejores obras, incomprensibles para muchos en esa época. Cuando se mudó a la Guaira (ciudad balcón del Mar Caribe venezolano), decía el mismo, estaba feliz porque nadie le iba a volver a preguntar porque pintaba los paisajes blancos. En su "locura" se rodeó de muñecas que el mismo hacía en compañía de su esposa y compañera Juanita y pintó composiciones en las que pequeños detalles diferencian las figuras humanas de sus muñecas. Para lo que nosotros sería la representación de un mundo real y uno de fantasía, para Reverón era uno solo. De loco no tenía nada. Sólo era loco para nosotros, que no veíamos en esa época que simplemente era un pintor fuera de lote y adelantado a su tiempo.

Así dijo: Armando Reverón

"...la luz disuelve los colores y ... todos los colores, - después de todo - se convierten en blanco..."

No fue Reverón, fue Díaz

El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York puede catalogarse como el primero mundialmente (es discutible) detrás de las 4 bestias: Galería Nacional en Londres, el Louvre en París, El Museo del Prado en Madrid y El Museo de Florencia ("Galleria dell'Accademia") .

Tener obras en cualquiera de estos museos simplemente te da otra dimensión en el mundo del arte. A pesar de que hay obras venezolanas en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York muchas han sido donaciones. Lo mismo sucede en el MOMA donde El "Retrato de Juanita" de Reverón fue parcialmente donado por Patricia Phelps De Cisneros.

En 1991 el curador de la sección del Siglo XX del museo de Arte Metropolitano Lieberman viajó a Venezuela a buscar Reverones para comprarlos y que pasaran a ser parte de éste. Acompañado de Sofía Imber, Lieberman recorrió galerías y colecciones privadas y en vez de conseguir a Reverón, descubrió al venezolano Tulio Díaz.

Tulio Díaz se encontraba exponiendo sus obras en la Galería Alternativa en una exposición llamada Treaca (medicina popular que se hace con 3 yerbas). Tenía dibujos, pintura, esculturas, artes gráficas e instalaciones.

Tulio mostraba su VideoWall simulando televisores (48 pantallas con 48 dibujos), de la cuál Lieberman escogió 6. Díaz llevó los dibujos él mismo a Nueva York, donde a recomendación de éste señor fueron sometido a consideración por un comité y finalmente aceptados como parte de la colección permanente del Museo Metropolitano.

Díaz fue luego informado por la asistente de Lieberman, que era el primer artista plástico venezolano al que el Museo de Arte Metropolitanole haya comprado obra alguna.

Hoy en día Tulio Díaz se mantiene creando y exponiendo continuamente en Venezuela y en el extranjero. Ha tenido exposiciones últimamente Londres en 2004, París en el 2005 y actualmente en San Diego, California.


Tulio nos describe sus obras de la siguiente manera.

"Mi pintura es esencialmente espacial. Se rige por el trazo, la combinación de tonos, las sombras y las luces. Todo esto se mezcla en el vacío espacio, y de esta unión, en lo inacabado se genera el tiempo inherente a la obra, el espacio vacío, es el tiempo en reposo momentáneo. Esta diferencia entre acabado e inacabado, entre vacío y tiempo, son el alma de la obra, que se mueve y reposa, en un tiempo dinámico, expandido en circularidad."

Y vaya que tiene tonos su obra (Ver detalle del cuadro Tazas Rojas. Colección Privada).

Si quieres darle una mirada a su arte, aquí está el site de su exposición en San Diego.
http://www.artisticisandiego.com/searchresults.php?artistId=1000&start=1

Su página personal es la siguiente.
http://www.mironesdepalo.com/tulio/